无国界之声：跨领域音乐创新者Aileen Ping-Chen Shen专访

发布时间：2026-01-29 19:55:56  浏览量：4

Aileen Ping-Chen Shen是一位来自中国台湾及中国澳门的跨领域艺术家、音乐制作人与录音工程师，其职业生涯横跨亚洲、欧洲与北美。她的作品曾登上多个国际重要音乐节舞台，包括纽约市电声音乐节（New York City Electroacoustic Music Festival）与麻州大学洛威尔分校合成与电子音乐节（UMass Lowell’s Bleep Blorp Festival of Synthesis and Electronic Music），并参与多项高规格科技导向专案，例如洛杉矶格莱美（GRAMMY）博物馆Sonic Playground与Ableton国际音乐科技品牌合作的产业计划。从地下音乐舞台到美术馆与博物馆展场，Shen的创作核心始终聚焦于透过声音、科技与表演，连接全球不同文化背景的观众。

访问者：你最初接受的是古典打击乐训练，后来却以电子音乐制作与现场演出闻名。这段从传统训练走向实验声响的转变是如何发生的？

Aileen：我一开始是在非常传统的古典打击乐体系中学习，在英国及奥地利古典音乐学院进修，后来打击乐的曲目运用了诸多电子元素，让我开始对尝试电子乐产生兴趣，并着手接触现代古典乐的极简风格(Minimalism)；法国的具象音乐（Musique concrète）在电子音乐设计中融合打击乐所运用的声音处理方式，让我渐渐对科技如何拓展节奏与声音的可能性心生好奇。小时候跳街舞的经历，让我对浩室（House）音乐以及DJ文化有所了解，也让我的音乐融合了智能舞曲IDM的风格。在伯克利音乐学院（Berklee）时，我接触到电子音乐、程序设计与沉浸式音频，这样的环境鼓励我将古典背景与新工具结合起来。渐渐地，电子表演不再只是兴趣，而成为我表达思想的主要语言。

访问者：许多读者对你在国际舞台上的发展很感兴趣。哪些国际音乐节、场馆或机构对你「建立职业地位」来说特别重要？

Aileen：每一个地方都代表着不同的阶段。古典音乐时期，打击乐带领我接触西方古典音乐，并让我有机会与英国、法国、奥地利及德国的音乐人展开交流。这些互动不仅成为我音乐声响的重要养分，也给予我丰富的创作空间，去融合戏剧、舞蹈、实验电子与打击乐等不同艺术形态。电声与合成音乐节则提供了平台，让我能与国际同行分享更具实验性的作品，也让我走访波士顿、巴黎、纽约等城市，甚至有机会与Ableton、格莱美（Grammys）等大型机构合作。无论是在音乐厅还是博物馆，我都得以接触更广泛的大众，并与专业策展团队合作。这些经验累积起来，使我逐渐被视作一位能在国际层面长期、稳定工作的创作者，而不只是初出茅庐的新锐艺术家。

访问者：你参与过格莱美（GRAMMY）博物馆Sonic Playground等科技导向计划，这些合作如何塑造你的艺术身份？

Aileen：在大型互动式专案中工作，迫使我将「声音」视作一种环境，而不仅仅是单纯的音乐作品。这些场域强调可及性与游戏性，与观众的互动让我设计出的系统既直观又富有艺术深度，同时保有人的情感与感性。

这些合作也让我与工程师、设计师及教育工作者并肩共事，使我的创作保持跨领域性并具备实际社会影响力。我的多元音乐背景，让我能在科技音乐设计的领域中担任桥梁角色，将不同领域的知识与方法整合。而我在国际上的经历，则让我能将不同文化元素融合进创作中，打造出具有全球视野的艺术作品。

访问者：你同时身兼音乐制作人、声音设计师、DJ与混音及录音工程师等多重身份，如何在不同角色之间保持一致的艺术声音？

Aileen：对我来说，这些角色只是从不同角度在做同一件事：用声音说故事，传递情感并与人连接。当我为其他艺术家制作或混音时，我的任务是放大他们的个性，让作品中的情感更鲜明；这是一个相对理性、细致的角色。而当我担任DJ或进行现场电子演出时，我是一名表演者。我需要先被自己的声音打动，才能感动观众，并与他们即时互动。现场的氛围会不断变化，但核心仍然是用声音说故事。无论是创作、制作还是表演，情感的表达和艺术语言是一致的；工具与场域或许不同，但艺术的核心始终不变。

访问者：你曾与国际知名艺术家、管弦乐团演奏家及大型音乐产业人士共事。这些经验如何影响你对「在这个领域被视作已站稳脚跟（established）」的理解？

Aileen：和顶尖艺术家与专业人士共事，会让你明白长期的职业生涯需要极高的自律与谦逊，也会让「卓越」成为一种常态，而非特例。当你习惯在那样的环境中合作，就会知道高标准只是基本要求。这些经验促使我不断精进自己，不只是成为那些平台中的「过客」，而是能真正创造价值的人。

访问者：对于更多以表演者身份认识你的华语读者，你能谈谈你在作曲与声音设计方面的成就吗？

Aileen：作曲、表演与声音设计是我最具实验性的领域。我的作品能被国际音乐节与平台选中，这意味着我的声音语言能跨越国界与文化，被不同背景的听众理解。

我常将田野录音（Field Recording）、电子声响质感，以及源自打击乐背景的节奏元素融合在一起，再结合自身文化背景的声音特色。每一件作品对我而言，都是一个能让听众「走进来」的小世界，既具体可感，又富有沉浸感和想象空间。

访问者：教育与指导在你的经历中不断出现，为何教学与工作坊对你如此重要？

Aileen：教学让我保持清醒的认知。当你必须教别人时，你必须真正理解每一个概念本身，这也帮助我更清晰地梳理自己的创作思路。工作坊与社群课程，是我最能直接感受到音乐社会影响力的地方——看到学员找到自信、发现属于自己的声音，这种能量也会反哺到我的创作中，提醒我最初为何开始做音乐。

Ableton是我长期合作的伙伴，在与他们携手开展学习与教学的过程中，我也不断被提醒：音乐在不断发展，而我也需要持续精进自己的能力。

访问者：你的生活轨迹从台南、澳门、上海、日本、英国到美国，这样的多元文化背景如何影响你的音乐创作与职业选择？

Aileen：在不同文化之间辗转，让我对氛围、语言与潜在规则格外敏感，这些感知自然地反映在我的音乐中。我能自如地融合看似不相容的风格、元素与乐器，让作品呈现出独属于我的声音特质。不同文化的滋养也塑造了我的音乐想象与创作逻辑，使我在职业选择上自然而然地倾向于跨国合作与跨文化的艺术场域。对我而言，这样的跨文化交流早已成为日常，也成为我创作的重要动力。然而，音乐最核心的始终是与人的真实对话。在音乐这门共同的语言中，不同国家、文化背景、年龄和职业的人能相聚在一起，因艺术而被打动、彼此联结。这一直是我不变的目标，也是我创作的核心动力。

访问者：作为一位已在领域中站稳脚跟的艺术家，你接下来最感兴趣的发展方向是什么？

Aileen：我希望深化融合表演、科技与叙事的创作形式，无论是全新的现场演出、装置艺术还是长期合作计划。我也十分关注亚洲与西方音乐科技社群之间的联结，让理念与人才能够更自由地流动。最终，我希望每一个新专案都能带领观众与我自己走进未知的领域，同时仍保有情感上的真实与深度。